PERIPATETICOS
nùmero de cuenta 3253/RFC/2015
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“Peripatéticos” es el título del proyecto cultural de exhibición individual de la artista Mónica van Asperen proyectado para el 6 de mayo del 2016 en el Centro Cultural Recoleta.
El Proyecto Cultural “Peripatéticos” ha sido presentado en el marco del Régimen de Promoción Cultural 2015 (Ley de Mecenazgo), y se ha declarado de interés para recibir aportes con el objeto de financiar su realización.
Se busca su patrocinio.
MEMORIA CONCEPTUAL
Mi obra cuenta de dos partes: una simbólica en relación al cuerpo y una abstracta relacionada con el lenguaje de la música, el silencio como antesala del tema, la cura , la meditación, el cuerpo como música y su continuo infinito, la mente como arquitectura.
La obra siempre nace de un ritual y de la relación íntima con mi biografía. El espacio objetual que modifica la relación cuerpo, casa, traje y su funcionamiento, transformándolo en otra cosa es parte del proceso de la relación metafórica con el objeto que lo interviene. Globos y rostro, barro, huecos en general, pantallas y creación de una geometría y su sombra como psique. Se dirá que esta postura es el punto de vista de la muestra, un proceso de tiempo y su significado. Las construcciones espaciales, objetos que pueden ser autónomos de la función al cuerpo y que confieren a la muestra un dramatismo mayor al no depender de su actor en un sembradío de sentidos y resonancias con el silencio del espacio. Se piensa a la arquitectura como mente materia.
Una gran parte de la obra es la relación con la musicalidad del punto y la línea y el silencio dentro de la realidad y la abstracción, pero estas obras nacen de mi encuentro con los globos, el aire, la luz y la relación de la energía en movimiento.
Quiero destacar esto escrito por mi hace años: “Voy adentrándome en las instalaciones de vidrio soplado luz, las flautas de Krishna… un lugar del vacío y su energía, el vacío delimitado por la materialidad sensible de las transparencias. Un multiespacio de reflejos y sus resonancias, lo vedado del blur, lo óptico, la energía que corre por ellas a eso se suma que hay una música interna en el diagrama con el espacio circundante del espectador, creándole tensiones, fibras internas en el cuerpo emocional. Las instalaciones son respiraciones medidas que se desmaterializan en burbujas que unen espacios y mueven la materia”.
Silencio un paréntesis en mi oído y esta cita de Jeanne Hearsh: “En lo que el hombre experimenta o inventa hay siempre una parte de indefinido por donde se introduce el infinito. El infinito hincha como un fuerte viento la vela de todo esfuerzo humano. Pero en el arte se trata de encarnar, y toda encarnación es limitada.
Será pues, necesario que la renuncia al infinito en el proceso de la encarnación le confiera una especie de presencia en el seno de la obra limitada, que lo que ha sido sacrificado hable por ausencia. El ascetismo de la forma se convierte así en un valor expresivo de lo que la forma no puede ni debe contener.”
Siento que mis formas son tiempos gelificados en cristal, espejados o geométricos y yo los muevo por su ausencia alrededor, creando el magma del espacio pictórico, tensionando el vacío.”
Mónica Van Asperen marzo 2015
TEXTO CURATORIAL.
El complejo cuerpo de obra de Mónica van Asperen conjuga el pensamiento filosófico con una fisicalidad altamente sensual, para impregnar hasta los resquicios más resistentes de la abstracción geométrica.
En virtud de su capacidad de iluminar e irradiar, el devenir artístico de Mónica Van Asperen ha ido alineando la visión formal con la aspiración profunda de volverse un instrumento adecuado para el restablecimiento de la conciencia. Con dicha alta vocación en mente, propone formas y performas, produciendo una serie de obras que desbordan goce, deleitando a los sentidos.
Lo relacional es método y punto de partida en la elaboración de cualquier objeto (escultura, instalación y performance) estableciendo de forma ritualista lazos visuales y metafóricos entre el cuerpo y materiales inorgánicos. En sus videopoemas y textos la palabra y el sonido adquieren una materialidad incandescente y en su pedagogía, abordada como metodología de re sensibilización y sanación, la artista abre caminos para una fenomenología contemporánea.
Propuesta inicial:
La exposición podría enmarcar la celebración de los materiales y medios expresivos que su obra propone, intentando demostrar cómo la elección de materiales produce un léxico poético que refiere al ser y a su interior en cada instancia pero desde perspectivas diversas.
La luz como material, el vidrio y las tramas como dispositivos de visión, el sonido y las pieles textiles como puertas y umbrales se volverían activadores sensoriales en el espacio, invitando a la interacción del público (pienso en las propuestas sanadoras y objetos relacionales de Lygia Clark).
Gabriela Salgado, Londres, Marzo, 2015.
Fotografìa 1: Planta Sala J
Al entrar texto curatorial.
Sponsors, ploteados de pared.
Fotografìa 2: Materialidades de la muestra y su evolucion de la forma.
Fotografìa 3 a 9: Estructuras musicales lumìnicas.
Salas central el silencio y la música.
“ Como eco de un sonido esencial, resuena la forma. “
Traje:
Subjetividad: Conciencia receptora de ese silencio la subjetividad puede llegar a reconocerse como indicio de esa verdad que la trascienden. (…)” ,crear subjetividad en arte permite ampliar la percepción de lo intuido por eso el hombre puede modificar su traje o contexto por la percepciòn de la alteridad.
El silencio no es la presindencia de la forma o acción, es màs bien la articulación con las cosas que acentúa la intensidad de la experiencia.
La experiencia del silencio visual es la sustracción metafórica de un objeto de su función anota Enrique Resol , la imagen poética extraña lo habitual presentándolo bajo una nueva luz, en un contexto diverso de lo que esperaríamos encontrar.
La materialidad de la línea en el espacio tiempo, este desplazamiento entre vacío y significado es una nueva belleza y los guiones negros en la sala una forma de alterar el tiempo.
Pensar el silencio como materia en otros campos, sabemos que está muy unido a la religión , pero es un campo abierto pictóricamente hablando en la conformación del signo y es aquel núcleo ontológico antes del lenguaje.
Fotografìa de 10 a 15: Textil sonoro, telas estampadas en una memoria antropològica con anudados y elementos sonoros colgando, objetos participativos y lùdicos.
Performings, personas maquilladas y zapatos reciclados en forma despareja, que producen al espectador una alteraciòn del paisaje.
Los objetos dispuestos en la sala pueden ser calzados existe tambièn un dispositivo de maquillaje para el espectador.
Maquillaje como baño, como cura, ritual.
El paciente ignora frente al dolor que sòlo hay cura si se enfrenta a lo oculto del deseo de su búsqueda consciente y la permeabilidad de si mismo, vital del sujeto inacabado.
Pensar la casa latinoamericana es pensar la casa del exilio de lo imperfecto como búsqueda de identidad y energía nueva del sujeto en este andar.
Todas las salas son atravesadas por el estadìo sonoro y tàctil.
Foto 16 a xx: Mòviles de madera, tiene un dispositivo de giro por motor como elices concavas y convexas estan son escaneadas por un sistema de lectores y crean difentes mapas viusales en relaciòn al dibujo de puntos y el color del aura.
